George Tudorache : « Pour jouer le Premier Concerto de Chostakovitch, un violoniste doit se mettre en condition comme s’il s’agissait d’une compétition sportive… »

Le 26 février à Liège, le 1^er mars à Turnhout, George Tudorache, concertmeister de l’OPRL, déjoue, aux côtés de Lionel Bringuier, les redoutables pièges du Premier Concerto pour violon de Chostakovitch. Il évoque à cette occasion l’une des œuvres les plus prenantes du répertoire violonistique.

Quand vous ouvrez la partition du Concerto pour violon n° 1 de Chostakovitch, quelle est la première chose que vous ressentez ?

Je ressens en tout premier la densité de l’écriture. Dès le premier mouvement, un magnifique « Nocturne », Chostakovitch installe un univers qui a un poids particulier. Il y a une tension continue : on est dans l’ombre et la noirceur, avec un côté dépressif dû aux fortes dissonances. Ce tempérament est tout à fait à l’opposé de ma personnalité et, dès lors, c’est pour moi un véritable défi que de m’y attaquer. C’est le moment le plus dur et le plus introverti de la partition ; il implique pour le soliste un jeu très sobre. Il y a un climax à la fin du « Nocturne » : c’est pour moi l’instant le plus intense psychologiquement de la partition.

La « Passacaille » du 3^e mouvement est, de son côté, un sommet de nostalgie, et le cœur émotionnel de l’œuvre. La cadence qui termine ce mouvement est pour moi le moment le plus extraordinaire du concerto. C’est un monologue intérieur de cinq pages (là où, d’habitude, une cadence fait une à deux pages) qui mène à une tension extrême, à une densité maximale avant un point de rupture définitif. À ce stade, il est impératif de faire disparaître tout sentiment de technicité. Seule doit primer l’idée de lutte, de combat intérieur et d’explosion. C’est pour moi la cadence la plus difficile du répertoire pour violon et orchestre. On la vit comme un combat intérieur, une lutte de l’âme dont personne ne sort indemne.

Je ressens cela plutôt comme quelque chose entre l’explosion et le feu d’artifice.

Et que racontent les deuxième et quatrième mouvements ? 

Le « Scherzo » est un mouvement incontrôlable, qui nécessite une technique d’enfer, tant il va vite ; il demande une articulation très précise et une maîtrise totale de l’instrument. Cela doit rester virtuose, cela doit garder un caractère fort, cela peut aussi bien faire rire, grimacer que provoquer l’auditeur, mais on ne doit jamais tomber pour autant dans la démonstration technique. Quant à la « Burlesque » finale, elle donne le sentiment d’une libération, mais la joie que l’on y trouve n’est pas nécessairement une fin heureuse pour autant. Je ressens cela plutôt comme quelque chose entre l’explosion et le feu d’artifice.

Chostakovitch écrit ce concerto dans les années les plus sombres du régime stalinien. Est-ce que ce contexte conditionne votre lecture ?

En tant qu’interprète, je me mets toujours à la place du compositeur, et j’essaye de saisir ce qu’il ressentait quand il a composé l’œuvre. De ce fait, le contexte du stalinisme est présent à chaque moment de la partition, ce qui explique la présence de sarcasmes, d’ironie, de peur, de noirceur. Ma manière d’interpréter l’œuvre dépend dès lors de toutes ces références et émotions.

Pourquoi ce concerto est-il considéré comme l’un des plus éprouvants du répertoire pour violon ?

Avec ses quatre mouvements, ce concerto dure entre 40 et 45 minutes selon l’interprétation. Il implique une très grande endurance physique et mentale. Pour le jouer, un soliste doit se mettre en condition comme s’il s’agissait d’une compétition sportive, d’une olympiade. Il faut dès lors être concentré à 200 % afin de déjouer tous les pièges techniques et les défis émotionnels de la musique.

Vous êtes en temps normal concertmeister de l’OPRL. Vous allez vous retrouver seul devant l’orchestre comme soliste. Cela fait quoi de passer de l’autre côté du miroir ? 

Je connais l’Orchestre quasiment par cœur et c’est une grande joie de jouer avec tous mes collègues. Ce qui est chouette à l’OPRL, c’est que l’on ne ressent aucune pression de la part du groupe. L’OPRL est un orchestre familial qui transmet une énergie positive et énormément de bienveillance. C’est une situation très rare ailleurs. Cela m’encourage à donner le meilleur de moi-même.

Comment se conçoit le travail avec Lionel Bringuier dans une œuvre aussi complexe ?

Je connais Lionel Bringuier depuis presque 20 ans, c’est quelqu’un en qui j’ai une énorme confiance. Et, luxe suprême, nous vivons la musique de la même manière en véritable symbiose. Cela rend le travail d’équipe plus facile et efficace. Lionel a la faculté de respecter l’interprétation de ses solistes, il suit fidèlement leurs choix artistiques, par exemple celui des tempi. Le fait que nous nous connaissions me permet de laisser parler librement ma vision de l’œuvre.

C’est pour le public la confrontation de deux blockbusters de la musique. C’est comme si on allait au cinéma visionner l’un à la suite de l’autre La Liste de Schindler et puis Titanic.

Après Chostakovitch, on retrouve Brahms et sa Première Symphonie. Est-ce que vous percevez un lien entre ces deux univers musicaux ?

Ce sont deux œuvres différentes par leur époque et leur langage. Mais malgré cela, ce qui est intéressant, c’est qu’il y a une forme d’équilibre qui est atteinte dans ce programme : Chostakovitch met formidablement en valeur le soliste (pour rappel, l’œuvre a été créée et dédiée au grand David Oïstrakh), tandis que Brahms met en évidence tous les musiciens de l’Orchestre, et notamment tous les solistes et le concertmeister. C’est pour le public la confrontation de deux blockbusters de la musique. C’est comme si on allait au cinéma visionner l’un à la suite de l’autre La Liste de Schindler et puis Titanic.

Propos recueillis par Stéphane Dado